viernes, 10 de junio de 2016

MUEBLE DEL PISO BLOC

Estamos en los años 30, en el movimiento de la GATPAC y estos pisos se hicieron para los obreros y lo que tenían estos pisos es que eran sencillos pero todos los muebles y el tipo de piso era muy práctico como por ejemplo las sillas que he escogido del piso bloc estan bien pensadas porque son de madera y son plegables para tener mas sitio por cualquier cosa, despues las sillas y la mesa se pueden poner en la terraza. La conclusión es que son muy prácticos los muebles y el piso en general y que en esa época al construir estos pisos son perfectos para los obreros y muy funcional.

  

lunes, 23 de mayo de 2016

Cambios de movimiento contra el modernismo

Contra el Modernismo se opuso la iglesia, se opusieron los seguidores de la iglesia, se opusieron algunos extranjeros, muchos conservadores... En general se oponian los de "la vieja escuela". El cambio siempre o casi siempre incita a la gente a quejarse, a no gustarle lo nuevo, esceptuando aquellos que intentar innovar. El Modernismo fue una época en la cual los artistas podían sacar todo su ingenio y su creatividad para crear, lo que ahora llamamos, patrimonios de la humanidad. Patrimonios que en su día fue questionado, estuvo escondido, y que ahora, gràcias a los cambios de mentalidad en la sociedad, podemos contemplar con entusiasmo. muchas obras no tubierno esa suerte y, por desgracia, fueron destruidas por que a unos cuantos no les gustaba. Era tocar y hundir, señalaban con el dedo y ese edificio se iba a bajo. No obstante, algunos aguantaron. En Cataluña tenemos la Pedrera, tenemoa la Sagrada Família, tenemos el Palau de la Música... Actualmente miles de extranjeros visitan diariamente estos monumentos. En su día eran macabras, eran horribles. 

Puede entenderse el porque de esa situación, y es que cuando algo es diferente y resalta sobre lo demas, hay que erradicarlo. No les interesaba que unos cuantos se "revelasen" contra lo monotono. Se salían de la regla. Eran transgresores. Y eso, gustaba poco. 

Creo que la mentalidad de antes era muy diferente, y puede que a muchos no les gustara, pero la forma de tratar la obra de alguien no era la adequada, pues la libre expresión es válida en muchos sitios y no hay que juzgar tan a la ligera, como hicieron en su dia, algo que al cabo de los años es considerado una de las mayores obras de arte como puede ser la Sagrada Família, o la Pedrera, entre otros.
La GATCPAC y la casa Bloc de Sant Andreu

GATCPAC son las iniciales de Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes por el Progreso de la Arquitectura Contemporánea. Surgió en la Segunda República Española, hacia los años 30. Surgió a raíz de una revista llamada AC, o actividades contemporaneas, que iba ligada a la reunión que tuvo lugar en Zaragoza donde se planteó la creación de un grupo para representar en el CIRPAC. Su objetivo es promover una arquitectura vanguardista y racionalista. Los principales miembros eran Josep Lluís Sert, Josep Torres i Clavé, Joan Baptista Subirana. Todos con unas vidas dedicadas a la arquitectura, pero quebradas por la guerra civil. Clavé murió en ella con 30 años. Sert tuvo que emigrar a París y luego a Nueva York, ya que en España le sentenciaron y el quería seguir con su oficio. 

Los tres juntos trabajaron en el proyecto de la casa Bloc, en Sant Andreu. El proyecto se basaba en la construccion de diversos edificios que juntos forman una S. Su objetivo principal a parte de la racionalizacion, era la funcionalidad. Eran viviendas destinadas a obreros, que durante mucho tiempo vivieron en chabolas o barracones. Era un cambio drastico ya que ahora la clase obrera también tendría una vivienda digna, que asta ahora era impensable. Con la Guerra se bajo el ritmo de construcción ya que la estructura de los edificios eran del mismo material que el de las armas.

También cabe decir que estos arquitectos se fijaron mucho en Le Corbusier. En los bloques de la casa bloc podemos ver que se deja de lado la decoración, y notamos la sencillez de la construcción y como he dicho antes la funcionalidad. Como nos explicaron, los bloques se hicieron, a parte de para acoger a los obreros y sus famílias, para que se creara un vínculo vecinal, en el que el mismo edificio te permitiera o te "obligue" a tene una relación con los vecinos. Unos ejemplos claros son: las zonas donde podias estar resguardado y que hacia de recibidor, donde si te encontrabas con alguien podías saludar y hablar tranquilamente ya que eran lugares espaciosos; otro elemento clave para la buena relación eran los pequeños balcones, que no dejaban de ser un saliente del suelo que se desplazo para esa finalidad, donde podias colocar una mesa y tomar algo, o simplemente te permitia salir y estar un rato tomando el aire. Otro elemento de funcionalidad fue que los apartamentos eran de dos pisos. Esto permitia, a parte de tener mas espacio, que el ascensor no tenia que hacer seis paradas, si no tres, ya que el edificio era de seis plantas, pero las entradas eran en los pisos uno, tres y cinco. 



El arte Deco

Tras la primera guerra mundial, el Art deco prospera y se convierte en el estilo predominante en París. Ya en 1925, en Francia almenos, se daba por hecho que toda decoración de interiores podia ser nueva y no hacía falta mirar al pasado y buscar interiores de eopca. Quedaban sentenciados. Pero el confort y el agrado era evidente que persistían. Buena artesanía, ornamentacion ( aunque esta fuera geométrica y no figurativa ). Aún se veían candelabros, frisos, o paneles ornamentados, eso si, reelaborados con una estética diferente. Pero se seguían viendo esos objetos que, recordemos, vienen de épocas anteriores, no era nada nuevo. 

Pasada y olvidada la guerra, la prosperidad de postguerra estaba en la cima y se pensó que el estilo adequado para esta situación era el moderno-jazz. Pero, como pasa siempre, lo nuevo da miedo, y el modernismo se salía de contexto. El gusto por este tenía sus límites. Tachado de frío, aburrido y depresivo. El pabellón soviético había levantado ampollas, y parecía mas que sentenciado. También fue bombardeado con críticas el local Espíritu Nuevo. Su definición fue: un almacen frigorífico cúbico. 

Despues de esto aparece un personaje, que ya era conocido, llamado Le Corbusier. Su defensa al pabellón soviético? Los organizadores del evento se habían propuesto sabotear su pabellón. La realidad era que a la gente no le gustaba el Espíritu Nuevo. 

El Espíritu Nuevo consistía en el rechazo de la decoración, por lo que lleva al rechazo de la ornaamentación, por lo cual se rechazaba Arts and Crafts, incluida Secesión, y se evitaba la decoración abstracta del Art Deco. En esta transición ocurrieron tantas cosas que, se pasó de tener unaa casa totalmente amueblada, al pensamiento de Le Corbusier de que los interiores estubieran desnudos. Para el público no era un estilo, si no una casa inacabada, una decoración insignificante e improvisada, como los tubos y muebles de restaurante. 

Sus esfuerzos eran totalmente volcados en que se entendiera que la casa podía ser un lugar eficiente y dejar de lado la anticuada decoración. El diseño doméstico estadounidense hacía años que eficiente. Tanto Richards como Le Corbusier tenían pensamientos parecidos pero, a la vez su definición muy diferente. Richards insistió en que la casa debía ser como una prenda de vestir. Mas directo fue cuando, con dijo, no con estas palabras, que si una mujer media X, la encimera tenía que estar a X altura para que esta estubiera comoda. Comodidad. El pensamiento industrial, de fabricación en masa, de Le Corbusier era totalmente opuesto al de las "normas". La gente se acostumbra  a la casa, y no la casa a la gente. Así se producía mas. En masa. Para el las necesidades humanas eran universales y podían uniformarse. ¡Recordemos que en Oriente la altura media esta por debajo de la Occidental, por lo tanto sus necesidades y las nuestras són diferentes!. 

Le Corbusier no dejaba de ser un arquitecto que buscaba la guerra de estilos. El no estaba equivocado si no sus pensamientos, ya que la manera de pensar estaba empezando a cambiar. La comodida ganaba terreno, y el concepto de modernidad ya no era el mismo.

viernes, 13 de mayo de 2016

 MARCEL BREUER

Breuer nació en Hungría en 1902, él quería, en su época de estudiante, aprender la disciplina de la escultura. Aun así, sus intereses también iban encaminados por el taller de madera. Al acabar sus estudios, se convierte en profesor dados sus dotes con la madera.

El diseño de la silla de listones, fue una de las piezas claves e insignia para catapultar a la Bauhaus a la fama. Se tomo a esta silla no como una pieza funcional, si no a una escultura. Breuer siguió intentando convencer a la gente que era una silla, que era para sentarse, y no una escultura.

Ya en 1925, en Dessau, el talento de Breuer empieza a llamar la atención de muchos artistas, que a la vez le encargan mobiliario para sus propias casas. Pero lo que de verdad llevo al súmmun del diseño fue la silla tubular Wassily. Dicen que para el diseño de esta silla, se inspiro en el manillar de su bicicleta. La silla se formava al unir respaldo y los traveseros. La idea era que la silla, o mejor dicho el que se siente en ella, quede suspendido en el aire. Pero surgió el problema de que Breuer quería que su diseño fuera totalmente ajeno a la Bauhaus, ya que era su idea y su diseño.

Mas tarde se iría de la Bauhaus, en 1928. Se fue, junto a Gropius, a Estados Unidos, a ejercer de profesor en Hardvard. Es considerado uno de los mejores diseñadores de muebles y arquitecto. Se dice que su trayectoria, despues de la de Rohe, fue una de las mas ilustres de Norte America.

En 1981 llega el fin de sus dias, y se acaba una vida dedicada al diseño y la arquitectura, y dejandonos en su legado, obras como Whitney Museum of American Art de Nueva York, o también algo que nos dio y que hoy en dia es un reto, la suspensión en el aire aplicado al mobiliario.

martes, 10 de mayo de 2016


VILLA MAIREA

La Villa Mairea se encuentra ubica al oeste de Finlandia, en Noormakku, una ciudad de aproximadamente 600 habitantes.
 Está emplazada en una colina rodeada por un bosque de pinos y una gran cantidad de vegetación, en un terreno donde ya hay dos mansiones de la familia Ahlström.
 El edificio busca crear una integración con el paisaje. Como respuesta al clima casi glacial de Noormarkku en donde el frío predomina gran parte del año la casa fue dispuesta y diseñada en forma de L. De esta manera se protege de los fuertes vientos del Norte uno de los espacios más importantes de la casa: el patio y su vegetación.




La villa Mairea fue diseñada para el matrimonio finlandés Gullichsen, compuesto por la pintora Maire Ahelström y empresario carpintero Harry Gullicksen a mediados de la década 30. Ellos conocieron a los Aalto en 1935 cuando el matrimonio decide fundar una galería de arte de vanguardias que con el correr de tiempo se transformó en ARTEK, firma conocida mundialmente por producir los muebles y los vasos diseñados por los Aalto y de la cual Aino Aalto fue directora creativa y directora general. En 1936 ella había diseñado los interiores de la casa de los Gullichsen en Helsinki. Es así como en 1936 encargan a los Aalto diseñar una residencia que funcionara como galería, que albergase todas las obras de Maire y que a su vez actuara como residencia vacacional del matrimonio.


 

A finales de 1937 se presentó la primera propuesta de la casa, la cual no resultó ser del agrado de los propietarios debido a que se basaba en la fuerte relación de la arquitectura con lo propio del lugar, trayendo como resultado una imagen muy similar a las granjas nativas de Finlandia.
Los Aalto presentan a inicios de 1938 la segunda propuesta de la villa, la cual se caracteriza por la aparición de una serie de componentes modernos y por otra un planeamiento tradicional en la forma de situarse en el terreno y definir el espacio libre. Esta versión resulta llamativa para los clientes, más aún la aparición de terrazas voladizas, que potenciaban el carácter horizontal de la casa.

En los siguientes meses se ajustan ciertos detalles de la segunda propuesta, llegando a una propuesta final en abril de 1938 conocida como Proto-Mairea, en donde la separación entre la casa y la galería de arte quedó atrás y evolucionó a una idea espacial donde la pintura y la vida cotidiana se entrelazaban naturalmente.

martes, 5 de abril de 2016

Eileen gray

Eileen Gray estudió en la Slade School of Fine Art de Londres de 1898 a 1902, a la vez que aprendía el arte del lacado en el taller de muebles de D. Charles, en la calle Dean. Visitó París por primera vez en 1900 y entre 1902 y 1905 asistió a clases en la École Colarossi y en la Academia Julian. En 1907 se instaló en París, en un apartamento en la Rue Bonaparte, que sería su hogar hasta su muerte en 1976. Durante su estancia en Francia aprendió técnicas de lacado japonés con el artesano Seizo Sougarawa.

Hacia 1910 comenzó a diseñar pantallas y paneles lacados con motivos figurativos y en 1913 expuso su obra en el Salon des Artistes Décorateurs, donde sus diseños atrajeron la atención del modisto y coleccionista de arte Jacques Doucet. Se convirtió en su cliente principal y realizó diversos encargos para él, como la pantalla de cuatro paneles Le Destin (1914) y la mesa Lotus (1915), antes de que su trabajo se viera interrumpido por la I Guerra Mundial. En 1915 Eileen Gray se traslada a Londres con el artesano Sougarawa, donde vivió dos años. En 1917 regresó a París y dos años más tarde recibió su primer encargo de peso, un apartamento para Mme Mathieu Lévy en la Rue Lota, para el cual diseño sus famosas pantallas en bloque lacadas.

 En 1922 después de haber realizado varios encargos para importantes clientes en estilo Art Desó Eileen Gray abre su tienda, la Galerie Jean Désert. Ese mismo año expuso su obra en Amsterdam junto al arquitecto De Stijl Jan Wils. La vanguardia holandesa recibió con admiración su diseño de un "tocador de dormitorio para Monte Carlo" expuesto originalmente en el Salon de Artistes Décorateurs de 1923. Esta admiración fue recíproca cuando Gray asistió en París a una exposición de diseño holandés en París ese mismo año. En 1926 Gray diseñó una de las viviendas más importantes del Movimiento Moderno, la E 1027 para la que creo algunos de sus diseños atemporales como la Silla Transat (1925) o su famosa mesa E 1027 (1927) de acero tubular y cristal. En 1929 creó uno de sus diseños más reconcidos en sillón Bibendum cuya silueta estaba basada en el muñeco de Michelin. Entre 1930 y 1931 diseño los planos del interior del apartamento del propio Badovici en la Rue Chateaubriand, y luego otra casa para su propio uso, la Tempe a Pailla en Castella, que terminó en 1934. El último proyecto fue una exposición celebrada en el Pavillon des Temps Nouveaux diseñado por Le Corbusier en 1937 y la presentación de un proyecto para el Centre de Vacances que nunca se llegó a realizar. Desde ese momento Eileen Gray pasó a un segundo plano hasta la década de los 70, donde sus diseños adquirieron una notable fama hasta hoy.

Sillón Bibendum  Eileen Gray